Von lächerlich bis erhaben – im Rahmen unserer laufenden Jahresendberichterstattung haben wir uns kürzlich die schlechtesten Filme des Jahres angesehen, aber wir wollten uns nicht zu lange auf einer negativen Note ausruhen, also gab es nur einen Weg: die offiziellen 20 besten Kinofilme des Jahres 2014 von The Playlist.

Die erfolgreichsten Filme 2014

An der Kinokasse sind nicht unbedingt die besten Filme erfolgreich. Andererseits kann sich die Masse nicht immer komplett irren, so dass hier bestimmt einige interessante Filme dabei sind, die in der qualitativen Auswahl weiter unten fehlen!

Die 3 fettgedruckten Filme befinden sich auch in der ausführlichen Top20-Liste der besten Filme 2014 weiter unten!

1	Guardians of the Galaxy	$333,176,600	Walt Disney Studios Motion Pictures
2	The Hunger Games: Mockingjay – Part 1	$337,135,885	Lionsgate
3	Captain America: The Winter Soldier	$259,766,572	Walt Disney Studios Motion Pictures
4	The Lego Movie	$257,760,692	Warner Bros.
5	Transformers: Age of Extinction	$245,439,076	Paramount Pictures
6	Maleficent	$241,410,378	Walt Disney Studios Motion Pictures
7	X-Men: Days of Future Past	$233,921,534	Twentieth Century Fox
8	Dawn of the Planet of the Apes	$208,545,589	Twentieth Century Fox
9	Big Hero 6	$222,527,828	Walt Disney Studios Motion Pictures
10	The Amazing Spider-Man 2	$202,853,933	Sony Pictures Entertainment (SPE)
11	Godzilla	$200,676,069	Warner Bros.
12	22 Jump Street	$191,719,337	Sony Pictures Entertainment (SPE)
13	Teenage Mutant Ninja Turtles	$191,204,754	Paramount Pictures
14	The Hobbit: The Battle of the Five Armies	$255,119,788	Warner Bros.
15	Interstellar	$188,020,017	Paramount Pictures
16	How to Train Your Dragon 2	$177,002,924	Twentieth Century Fox
17	Gone Girl	$167,767,189	Twentieth Century Fox
18	Divergent	$150,947,895	Lionsgate
19	Neighbors	$150,157,400	Universal Pictures
20	Frozen	$400,738,009	Walt Disney Studios Motion Pictures

20. “The Rover”

Nimmt man “The Rover” als eine methodische, minimalistische Fabel, die sich tief in den Moralismus ihrer korrumpierten, kargen Landschaft eingräbt, kann man kaum bestreiten, dass das zweite Werk von Autor/Regisseur David Michod sein Ziel voll und ganz erreicht. Indem er alle erzählerische Komplexität bis zum Punkt der Abstraktion entfernt, atmet die Charakterstudie wirklich, aber auf eine so völlig andere Weise als Michods triumphaler letzter Spielfilm “Animal Kingdom”, dass wir nach nur zwei Spielfilmen und einigen Kurzfilmen davon überzeugt sind, dass Michod der Richtige ist.

Mit einer umwerfend grimmigen, schmutzigen Hauptdarstellung von Guy Pearce, einem unserer Lieblingsschauspieler, und einer beeindruckenden Leistung von Robert Pattinson, der mit jedem Film als Darsteller wächst, ist dies ein Film, der unter der Oberfläche und in den langen Pausen zwischen Dialogen und Gewaltausbrüchen pulsiert. Und er ist wunderschön anzuschauen und anzuhören, da er auf Enthüllungen und Handlungswendungen verzichtet und seine täuschend einfache Geschichte durch Stimmung, Ton und Atmosphäre vermittelt.

19. “Selma”

Es ist erstaunlich, was die Filmemacherin Ava Du Vernay in einer so kurzen Filmografie erreicht hat – man würde nie vermuten, dass “Selma” erst ihr drittes abendfüllendes Drama ist. Selma” erzählt die Geschichte von Martin Luther Kings Jr. entscheidendem Bürgerrechtsmarsch von Selma nach Montgomery in Alabama – eine Pilgerreise, die zur bahnbrechenden Verabschiedung des Voting Rights Act von 1965 führte – und ist tief bewegend. Und ja, es ist ein “wichtiger” Film, aber einer von solcher Intelligenz, Kunstfertigkeit, Würde und Empathie, dass jeglicher Zynismus, den man über seine Beweggründe haben mag, schnell verschwindet. Lebendig und vital, vermeidet “Selma” die traditionellen spießigen Biopic-Noten, wobei sich David Oyelowos elegante Darstellung als mühelos echt erweist.

Und der Film bietet einen warmen, lebendigen Einblick in MLKs Leben, der voller menschlicher Dimensionen ist, während er von Bradford Young (dem MVP-Regisseur des Jahres für “Selma” und “A Most Violent Year”), der jedes Bild mit einer strukturierten Authentizität und Intimität versieht, lebendig aufgenommen wurde. “Selma” mag alle Oscar-Kriterien erfüllen – er ist emotional aufwühlend, inspirierend, publikumswirksam, kraftvoll und gesellschaftlich relevant – aber wenn der beste Film diese Kriterien erfüllen muss, dann sollte “Selma” ihn aus den richtigen und ehrlichen Gründen bekommen. So oder so, dieser gefühlvolle, humanistische Triumph könnte mehr wert sein als alles, was Sie dieses Jahr in den Kinos sehen werden.

18. “Mommy”

In jeder anderen Hand würde “Mommy” nicht funktionieren. Der Sci-Fi-Prolog ist unnötig, der Film ist zu lang, und die ersten zwanzig Minuten könnten für manche ein Grund sein, den Film abzubrechen. Aber sie würden mit Xavier Dolan auf eine der aufregendsten, frischesten und unverblümtesten Regiestimmen der Gegenwart verzichten und sich das entgehen lassen, was am Ende zu einem der schönsten, verdammt herzzerreißenden Filme des Jahres wird.

Antoine Olivier Pilon ist das wilde, unberechenbare ADD-Herz des Films, in dem ein Teenager, frisch aus dem Jugendknast entlassen, nach Hause zurückkehrt, um bei seiner Mutter Diane (Anne Dorval) zu leben. Aber er ist überfordert, und so entsteht eine unwahrscheinliche Allianz mit Kyra (Suzanne Clement), der Nachbarin, die sich um Steve kümmert und ihn anleitet, während Diane ihren Lebensunterhalt verdient. Dies ist fast mehr als eine Seifenoper, eine Hommage an die herzzerreißende Grausamkeit der Mutter-Sohn-Beziehung, die von drei umwerfenden Darstellungen geprägt ist.

Dolans Einsatz von Musik war noch nie so gut, insbesondere zwei Sequenzen bieten umwerfend schöne, unerwartete Audio-/Video-Paarungen, und damit man nicht denkt, die Academy Ratio sei ein Gimmick des jungen Filmemachers, ist es eine Wahl, die die Intensität in einem Film steigert, in dem die Emotionen drohen, von der Leinwand zu springen und einen ganz aufzufressen. “Mommy” ist, genau wie Steve, wild, rücksichtslos und fehlerhaft, aber genau wie Diane lieben wir ihn deshalb bis zum Tod.

17. “Ida”

Nachdem der Film Ende 2013 auf den Festivals eher übersehen wurde, war es sehr erfreulich zu sehen, wie der Kult um “Ida” im Laufe des Jahres 2014 wuchs. Der Film wurde zu einem echten Indie-Schläferhit und ist wahrscheinlich der Spitzenkandidat für den Fremdsprachen-Oscar.

Pawel Pawlikowskis Rückkehr in seine polnische Heimat ist ein kleines, persönliches und wunderschön gestaltetes Juwel, in dessen Mittelpunkt die angehende Nonne Anna (Agata Trzebuchowska, die für eine Erstlingsdarstellerin erstaunlich ist) steht, die entdeckt, dass sie eigentlich Jüdin ist, und sich mit ihrer Tante (die ebenso beeindruckende Agata Kulesza) auf die Suche nach dem Grab ihrer Eltern macht. Das hört sich düster an, und mit seinem strengen Bresson’schen Schwarz-Weiß-Bild im Academy Ratio-Format könnte es auch so aussehen, aber es ist ein Film von großer Wärme und Kraft.

Für einen so kurzen Film (nur 80 Minuten) ist er auch enorm gehaltvoll, verpackt in Themen wie Identität, Glaube, Geschichte, Schuld, Sexualität und Nationalität und ist gleichzeitig einer der am schönsten komponierten Filme der letzten Zeit. Es ist eine atemberaubende Leistung, und wir freuen uns, dass er so vielen ans Herz gewachsen ist.

16. “The Grand Budapest Hotel”

Wir hoffen, dass die Academy diesen wunderbaren Film von Wes Anderson bei der Oscarverleihung nicht vergisst, denn er ist unserer Meinung nach einer seiner besten Filme und einer der wichtigsten Titel des Jahres 2014. Nach einem Kinostart im Frühjahr, der mit einem verdienten kritischen und finanziellen Erfolg belohnt wurde, hatte man das Gefühl, dass “Grand Budapest” den größten Teil des Jahres 2014 in aller Munde war.

Und das aus gutem Grund: Der Film ist verdammt witzig, mit einer gegensätzlichen Rolle von Ralph Fiennes als dandyhafter, möglicherweise bisexueller und letztlich heldenhafter Hotelmanager, die preisverdächtig ist, ohne offensichtlich zu sein. Die großartige Musik von Alexandre Desplat trägt einen großen Teil zum Erfolg des Films bei. Die Musik ist (wie der Film) ständig in Bewegung, dem Publikum immer einen Schritt voraus und springt von einem Genre zum anderen (Screwball-Sexkomödie/Gefängnisausbruch/Quasi-Weltkrieg/Zwischengeschichten).

Der Film, der mit der für Anderson typischen Perfektion und Nostalgie inszeniert ist, ist einfach einer der unterhaltsamsten Filme dieses Jahres, selbst mit einem Ende, das so schön traurig ist.

15. “Nymphomaniac”

Entertainment Weekly kann einen Scheißdreck dafür. Inzwischen wissen wir alle, dass sie Lars Von Triers symphonische Sexsaga “Nymphomaniac” zum schlechtesten Film des Jahres gekürt haben, was uns sehr weh tut. Man muss sich vielleicht mit Von Triers eigenartigen Interessen anfreunden, um die beiden Bände von “Nymphomaniac” wirklich genießen zu können, aber dass sie ungestüme, lebendige und kreativ geniale Werke sind, ist unbestreitbar.

Vol. 1″ bietet uns einen der zugänglichsten Filme, die von Trier bisher gedreht hat: voller Pep, ein bemerkenswertes Leinwanddebüt von Stacy Martin und ein verjüngendes Porträt einer Frau, die erwachsen wird. Vol. 2″ macht eine bissige Wendung und erinnert uns daran, dass wir es hier mit dem bekannten düsteren und verdrehten dänischen Regisseur zu tun haben. Auch wenn man sich von Triers pessimistischem Menschenbild nicht ganz anschließen kann, und auch wenn die letzten 90 Sekunden von “Vol. 2” die Meinungen noch weiter spalten, ist “Nymphomaniac” im Großen und Ganzen einfach eine anregende filmische Tour de Force voll von Von Triers Brio.

14. “Ein höchst gewalttätiges Jahr”

J.C. Chandor erweist sich als eines der schlüpfrigsten Filmemacher-Chamäleons, das von einem Finanzwelt-Thriller (“Margin Call”) über ein robustes existenzielles Outdoor-Abenteuer (“All Is Lost”) bis hin zu “A Most Violent Year”, seinem vielleicht tiefgründigsten und vollendetsten Film bisher, einem periodischen Drama, das im Jahr 1981 spielt und unendlich viel über die Welt von heute aussagt.

Oscar Isaac spielt den Hauptdarsteller, einen Einwanderer, der ein Heizölgeschäft betreibt, das von allen Seiten angegriffen wird. Er gerät ins Visier eines Bundesermittlers (“Selma”-Darsteller David Oyelowo) und ins Visier einer Reihe von Raubüberfällen (die mitreißend und spannend inszeniert sind). Isaac will einfach nur auf der richtigen Seite des Gesetzes bleiben, auch wenn ihn alles in Richtung krimineller Aktivitäten zieht (verkörpert durch seine freche, aufmüpfige Frau, gespielt von Jessica Chastain). “A Most Violent Year” handelt davon, wie der amerikanische Traum korrumpiert werden kann und wie sein Streben Leben ruinieren kann, und ist einer der fesselndsten und, dank Bradford Youngs winterlicher Breitwandfotografie, schönsten Filme des Jahres.

13. “Interstellar”

Vielleicht ist es nicht so überraschend, dass einige Zuschauer diesen Film nur zögerlich annehmen oder ihn sogar ganz ablehnen (wie unser ursprünglicher Rezensent). Er ist unbestreitbar manchmal albern, sogar kitschig in seiner schwankenden Balance zwischen großartig und intim, aber er ist auch so ernsthaft und mit so viel handwerklichem Geschick gemacht, dass seine Kraft für viele andere von uns unbestreitbar ist.

Wir können den ganzen Tag über Formate diskutieren (und das haben wir auch getan), aber letztendlich hat “Interstellar” einen Sinn für Abenteuer und eine Ambition bei der Bewältigung der großen Fragen, die in diesem Jahr kein anderer Blockbuster auch nur annähernd erreicht hat. In Christopher Nolans Weltraumoper ist das Ende der Erde keine Trauerzeit, sondern eine Gelegenheit, neue Welten zu erforschen und sich als Spezies weiterzuentwickeln – es ist mit Abstand sein bewegendstes, emotionalstes Werk, das vielleicht einigen von uns eine neue Erfahrung beschert hat: das Weinen bei einem Nolan-Film.

Sein Platz im Pantheon der modernen Autorenfilmer ist wohlverdient, aber “Interstellar” beschwört einen Geist menschlichen Strebens und eine altmodische Ehrfurcht vor der Idee der Weltraumforschung herauf, die all das Spektakel irgendwie auch liebenswert macht.

12. Guardians of the Galaxy

Als wir uns “Guardians of the Galaxy” ansahen, wussten wir, wie die meisten anderen Kommentatoren, nicht so recht, was wir erwarten sollten. Zugegeben, die Hype-Maschine von Marvel lief auf Hochtouren, aber diese Verfilmung eines der weniger bekannten Titel des Comic-Giganten schien ein Wagnis zu sein.

Mit Chris Pratt in der Hauptrolle, einem Mann, der am besten für eine Nebenrolle in einer Sitcom bekannt ist, und einer Bande von Geächteten aus dem Weltraum, darunter ein Dieb, ein skrupelloser Mörder, ein wortgewandter Schläger, ein anthropomorpher Waschbär mit einer Vorliebe für schwere Waffen und ein sprechender außerirdischer Baum, der nur drei Worte spricht, war es jedoch ein Wagnis, das sich auszahlte, denn “Guardians” wurde in den USA zum erfolgreichsten Film des Jahres 2014 (weltweit an zweiter Stelle nach Michael Bays neuestem “Transformers”-Projekt).

Der Film, der das Abenteuer und den cleveren Humor eines “Indiana Jones”-Films mit der verwegenen Weltraum-Action von “Star Wars” verbindet, ist außerdem einer der besten Kinobesuche des Jahres. Es gibt nur wenige Entwicklungen im Jahr 2014, die ermutigender sind als der Übergang von James Gunn von der Produktion schrulliger Low-Budget-Filme mit schräger Vision zu schrulligen Multimillionen-Dollar-Blockbustern mit schräger Vision. In einer Zukunft, in der jeder zweite Sommerfilm ein Angebot aus dem Marvel-Universum sein wird, kann es nur gut sein, dass Gunn an Bord ist und etwas so Eigenwilliges wie “Guardians” abliefert.

11. “Whiplash”

Jazz wippt und webt, er schlägt unerwartete Rhythmen an, erfreut sich an vollendeten technischen Meisterleistungen und beeindruckt mit donnernden Emotionen auf seinen höchsten Gipfeln. Das gilt auch für Damien Chazelles “Whiplash”. J.K. Simmons und Miles Teller werden von Chazelle weniger geführt als dirigiert und liefern eine Blue-Note- (und Oscar-) würdige Leistung ab. Simmons hat die Rolle seines Lebens als Fletcher, der Bandleader der Musikschule, der seine Spieler manipuliert und missbraucht, um sie zur Größe zu bringen.

Oder zumindest danach strebt: Er muss noch die nächste Legende erschaffen, aber er sieht in der doppelten Swing-Zeit des Schlagzeugers Andrew (Teller) etwas, das eine Zukunft verheißt, die lebensverändernd sein könnte… wenn es sie nicht beide zuerst umbringt. Aufgeblasen von ihrem Ego, angetrieben von ihrem Ehrgeiz und nicht willens oder in der Lage, aufzuhören, bis sie etwas Großes erreicht haben, sind Fletcher und Andrew auf perverse Weise auf einander angewiesen, um ihre Träume zu verwirklichen. Und das alles spielt sich im fulminanten Finale des Films ab, einer musikalischen Darbietung, die von den Charakteren bestimmt wird, einer actiongeladenen Sequenz, die keinen einzigen Pixel CGI benötigt.

Wenn man Fletcher und Andrew dabei zusieht, wie sie sich wie Boxer umkreisen, wie sie sich schubsen und ziehen und schließlich mit Blut, Schweiß und Hybris die meisterhafte Musikalität erreichen, nach der sie gesucht haben, kann man sich von seinem Sitz erheben und in Beifall ausbrechen. “Es gibt keine zwei Worte in der englischen Sprache, die schädlicher sind als ‘good job'”, sagt Fletcher. Nun, diese Worte sind hier nicht nötig: “Whiplash” ist schlichtweg großartig.

10. “Inherent Vice”

Nach der ersten Sichtung wissen Sie vielleicht nicht, was Sie von “Inherent Vice” halten sollen, Paul Thomas Andersons siebtem Spielfilm und der ersten Verfilmung des Literaturgiganten Thomas Pynchon überhaupt. Und das ist auch gut so. Denn so sehr Anderson auch behauptet, Filme für das Samstagabend-Publikum zu machen, in Wirklichkeit macht er sie für die Ewigkeit, und er scheut sich nicht, ein paar Leute zurückzulassen, um dieses Ziel zu erreichen.

Seine eifrigsten Fans (zu denen wir uns auch zählen) haben gelernt, dass er sich nie wiederholt und dass das, was er als Nächstes macht, eine völlige Kehrtwende im Vergleich zu seinem letzten Werk sein wird. Und tatsächlich: Nach “The Master”, seinem umstrittenen Nachkriegsdrama, macht er mit “Vice” eine weitere Kehrtwende, ein 2 ½-stündiges, äußerst komisches und zutiefst melancholisches Erlebnis, das sich von allen anderen Anderson-Filmen unterscheidet, aber nur von ihm stammen kann. Wieder einmal hat er ein All-Star-Team zusammengestellt, von Robert Elswits körniger, wunderschöner 35-mm-Kinematografie über Jonny Greenwoods hypnotisierende Filmmusik bis hin zu einem hochkarätigen Ensemble, von denen einige in 1-2 Szenen ihre besten Leistungen zeigen.

Das Herzstück des Films ist Joaquin Phoenix als Doc Sportello, und man kann sich kaum vorstellen, dass jemand anderes ihn so perfekt verkörpert wie der Schauspieler hier, als hündchenhafter Optimist und schmerzlicher Romantiker. Anderson greift den romantischen Faden zwischen Doc und Shasta aus dem Roman auf und nutzt ihn, um das Publikum durch die labyrinthische Geschichte zu ziehen. Das Mysterium mag schwer zu durchschauen sein, aber es ist wirklich nur Augenwischerei; dies war immer eine Liebesgeschichte. Der Film ist vielleicht einfach zu ungewöhnlich, um in den Diskussionen zum Jahresende eine große Rolle zu spielen, aber wir wetten, dass er in ein paar Jahren auf den Listen der besten Filme des Jahrzehnts auftauchen wird, wenn man ihm etwas Zeit gibt.

9. “Leviathan”

Seit Cannes singen wir gemeinsam mit anderen Kritikern das Loblied auf Andrei Swjaginzews unvergesslichen, tief berührenden und unglaublich raffinierten “Leviathan”. In einem Jahr, in dem das Wort “episch” in aller Munde ist, fühlt es sich in vielerlei Hinsicht so an, als ob es geschützt und zurückhaltend sein sollte, um den Zauber zu beschreiben, den Swjaginzew und sein Team von vorbildlichen Profis hier heraufbeschworen haben. Inspiriert von einem Arbeiter, der 2004 in einer Kleinstadt in Colorado mit einem Bulldozer randalierte, hatte Zvyagintsev den Wunsch, die Geschichte eines Mannes zu inszenieren, der in einem verzweifelten Kampf mit seiner Regierung steht und langsam alles verliert, was ihm lieb und teuer ist.

Zvyaginstev fügte Bindeglieder aus dem Buch Hiob und Thomas Hobbes’ Buch über Staatskunst hinzu, mit dem der Film seinen Namen teilt, und siedelte die Geschichte in einer nordrussischen Stadt in der Nähe des Schwarzen Meeres an. Er stellte ein großartiges Ensemble von Schauspielern zusammen (besonders hervorzuheben sind die beiden Königsfiguren auf beiden Seiten des Schachbretts: Roman Madyanov als Bürgermeister und Aleksey Serebryakov als Nikolai) und arbeitete nach einem Drehbuch, das er gemeinsam mit seinem Schreibpartner Oleg Negin (mit dem er in Cannes für das beste Drehbuch ausgezeichnet wurde) geschrieben hatte.

Das Ergebnis ist ein tiefgründiger Film von wahrhaft biblischem Ausmaß, der sich mit einer Art unsichtbarer Anmut in den Gedächtnisspeichern festsetzt und mit einer emotional aufwühlenden, schmerzhaft realen Vision der Menschheit nachhallt. Hier haben wir das moderne künstlerische Geschwisterchen von Tolstoi und Dostojewski, das die moralischen Fasern der politischen, religiösen und familiären Werte einer Nation zusammenhält, ihre verdorbenen Knoten aufdeckt und sie in einem Meer von Wodka tränkt. Und es ist absolut brillant, vom ersten bis zum letzten Bild.

8. “Snowpiercer”

Wir haben lange auf “Snowpiercer” gewartet, aber es hat sich gelohnt. Nachdem The Weinstein Company die Vertriebsrechte an der Adaption einer obskuren französischen Graphic Novel des südkoreanischen Erfolgsregisseurs Bong Joon-ho erworben hatte, lieferte sie sich mit dem Filmemacher einen öffentlichen Flammenkrieg über 20-minütige Kürzungen, zu denen es zum Glück nie kam. In einem Zug, der endlos durch die gefrorenen Wüsten einer neuen globalen Eiszeit fährt, entwickelt sich unter den letzten Überbleibseln der menschlichen Rasse ein bösartiges, starres Klassensystem.

Die hinteren Passagiere haben den sprichwörtlichen Stiefel an der Kehle satt und kämpfen sich nach vorne, wo die Oberschicht in Luxus lebt, mit Dingen wie Bildung für ihre Kinder, natürlichem Licht und Essen, das nicht wie körnige Gelatine aussieht. Trotz des tadellosen Stils und der stilisierten Inszenierung ist dies keine Schwarz-Weiß-Geschichte voller Definitionen, und die Interpretationen schwanken ständig, genau wie der titelgebende Zug, der auf seinen postapokalyptischen Gleisen rattert. Zusammengehalten wird der Film von zwei großartigen Darstellungen: Chris Evans als Anführer der Aufständischen Curtis, die abwechslungsreichste und intensivste Arbeit, die er je abgeliefert hat, und Tilda Swinton in der Rolle der vehementen Idealistin Mason, die mit einer Waffe in der Hand ein viel größeres Spiel spielt und gelegentlich einen Schuh auf ihrem Kopf trägt. Es gibt gerade genug Hoffnung in “Snowpiercer” und genug Anflüge von beißendem Humor, um den Film nicht völlig niederschmetternd werden zu lassen, aber es ist die düstere, fast schon trostlose Textur, die Bong hier einbringt, die ihn so unwiderstehlich macht.

7. “Only Lovers Left Alive” (Nur noch Liebende am Leben)

Vom Eröffnungstitel an, der in einer Heavy-Metal-/Mittelalter-Schriftart gehalten ist, ist “Only Lovers Left Alive” eine Studie über perfekt getroffene künstlerische Entscheidungen. Jim Jarmuschs fast handlungslose, aber nie ziellose Auseinandersetzung mit dem Vampir-Genre ist genau das, was man von einem Regisseur in Bestform erwartet: voller Stimmung, trockenem Witz und soliden Leistungen in so unterschiedlichen Städten wie Detroit und Tanger.

Tilda Swinton als jahrhundertealte Vampirin Eve hat das meiste Lob für die Besetzung bekommen, aber die Zuschauer sollten auch die anderen Talente nicht übersehen: Tom Hiddleston als ihr depressiver Vampirliebhaber Adam ist ein echter Magnet, Mia Wasikowska und Anton Yelchin haben schöne Nebenrollen, und John Hurt als untoter Christopher Marlowe und Jeffrey Wright als Arzt, der dem alterslosen Paar bei der Beschaffung der Droge seiner Wahl hilft, haben es uns gleichermaßen angetan.

Vor allem aber ist der Film eine Liebesgeschichte. Im Mittelpunkt steht die epische Romanze zwischen Adam und Eva, die sich über Kontinente und Jahrhunderte erstreckt, aber ebenso zentral ist die Liebesgeschichte zwischen dem Paar und der Kunst. Eve stürzt sich voller Bewunderung in Bücher und stopft ihren Koffer für eine Reise mit Titeln wie “Infinite Jest” statt mit Kleidung voll. Währenddessen macht der zurückgezogene Adam Musik, die besessene Hörer inspiriert, während er sich weigert, sich der neuesten Technologie oder den neuesten Trends zu beugen. Aber auch wenn “Only Lovers Left Alive” tadellos cool ist, bedeutet das nicht, dass er sich über echte Gefühle hinwegsetzt. Der Film ist überraschend berührend, und jedes Detail schafft ein Bild, das man genauso wenig aus dem Kopf bekommt wie ein perfektes Rock’n’Roll-Liebeslied.

6. “Boyhood”

Es wurde bereits endlos darüber diskutiert, was für ein technisch anspruchsvolles und logistisch komplexes Unterfangen Richard Linklaters “Boyhood” war, und das ist sicherlich wahr, denn wie wir jetzt wissen, filmte der Regisseur ein Kind (und einen kleinen Satelliten professioneller Schauspieler, darunter Ethan Hawke und Patricia Arquette) mit Unterbrechungen im Laufe von 12 Jahren.

Und ja, so etwas ist im Bereich des narrativen Spielfilms noch nie versucht worden, aber hinter dem Neuheitsfaktor dieses Ansatzes verbirgt sich ein tiefgründiges Nachdenken über die Zeit und die Art und Weise, wie unsere Persönlichkeiten von den Menschen und Ereignissen um uns herum geformt werden, was sich zufällig in diesem einzigartigen Rahmen abspielt. Linklater war schon immer von der Zeit besessen; man kann es in seiner “Before…”-Trilogie und in seinen Übungen im historischen Filmemachen (“The Newton Boys”, “Me and Orson Welles”, “Dazed and Confused”) sehen.

In einem Interview Ende letzten Jahres sagte er: “Das ist das große Element unseres Mediums – die Manipulation von Zeit, die Wahrnehmung von Zeit, die Kontrolle von Zeit. Das ist der Grundbaustein des Kinos.” Und er ist fasziniert von den strukturellen und persönlichen Implikationen seines kühnen Experiments, aber man kann sich von der Form blenden lassen und sich gleichzeitig tief mit dem Material verbinden (über die nostalgischen kulturellen Wegweiser wie ein altes Nintendo-System oder einen Popsong, der sich auch nach all den Jahren noch im Kopf festsetzt). Als Filmemacher hat Linklater die angeborene Fähigkeit, sowohl etwas Spezifisches als auch etwas Universelles anzusteuern, und “Boyhood” ist in der Subtilität seiner Filmgestaltung und der Großartigkeit seiner Ideen seine bisher größte Leistung.

5. “Birdman: oder Die unerwartete Tugend der Unwissenheit”

Hin und wieder kommt ein Film daher, bei dem man sich fragt: “Wo zum Teufel ist der Kerl geblieben?” und der einen daran erinnert, warum man diesen Kerl überhaupt geliebt hat. Dieses Jahr ist dieser Typ Michael Keaton und dieser Film ist “Birdman”, Alejandro González Iñárritus virtuose Meta-Fabel über einen in Ungnade gefallenen Schauspieler. Als Riggan Thompson, ein ehemaliger Hollywood-Verkäufer, der ein Comeback am Broadway anstrebt, zeigt Keaton die Energie, für die er seit langem bekannt ist, aber auch Schichten von Traurigkeit und Verzweiflung, die wir noch nie von ihm gesehen haben, und schon gar nicht in einer Paraderolle wie dieser, umgeben von einem großartigen Ensemble mit Emma Stone, Edward Norton, Naomi Watts und Zach Galifianakis.

Es wurde viel über den beeindruckenden “Einzeltake” des Films gesagt (der tatsächlich durch das nahtlose Zusammenfügen der lediglich sehr beeindruckenden langen Einstellungen erreicht wurde), und die Kritiker des Films haben dies als Gimmick bezeichnet. Aber diese Technik ist nicht nur eine Angeberei von Iñárritu (obwohl sie das auch ist), sondern auch der beste Weg, die manische Energie und Unmittelbarkeit des Films zu vermitteln, in einer Welt, in der Alltäglichkeit und Surrealität aufeinanderprallen. Mit seinen ersten vier Filmen lief Iñárritu Gefahr, zu oft dieselben Töne anzuschlagen, und zum Glück hat er gerade noch rechtzeitig das Instrument gewechselt, um diesen äußerst unterhaltsamen, das Genre sprengenden Film zu drehen – bei dem Versuch, ihn zu beschreiben, fehlen uns die Vergleiche, denn es gibt wirklich nichts Vergleichbares. Und das ist wahrscheinlich die beste Empfehlung von allen.

4. “Gone Girl”

Einer der am sehnlichsten erwarteten Filme des Jahres, “Gone Girl”, ist auf wundersame Weise nicht unter dem Gewicht seiner Erwartungen zusammengebrochen, sondern hat es geschafft, auf eine Art und Weise zu überraschen, zu erfreuen und zu verletzen, die nur wenige erwartet hätten. “Gone Girl” ist durch und durch ein David-Fincher-Film: die Graustufenpalette, die unruhige Musik von Reznor/Ross, der tief sitzende Zynismus und die Ironie.

Aber der Film weist eine andere, neue Ebene auf: ausgerechnet Camp. Von der Erzählerstimme bis zu den flauschigen rosa Stiften von Amy Dunne (Rosamund Pike) ist “Gone Girl” Finchers Version eines Dateline-Specials. Beunruhigend düster und zutiefst komisch schlägt der Film einen Ton an, der völlig einzigartig ist: gleichzeitig trocken, mürrisch und absolut lächerlich – Moment mal, hat Fincher etwa Spaß?

Es scheint, dass der weibliche Touch von Gillian Flynns Roman und der Verfilmung dem Werk des Autors eine neue Dimension verleiht – “Gone Girl” ist ein Monsterfilm mit einer Hitchcock-Blondine als Antagonistin, der Stoff, aus dem die Träume und Albträume von Männerrechtlern sind. Andererseits ist Ben Affleck als stumpfsinniger Ehemann auch der Stoff, aus dem die Alpträume intelligenter, unabhängiger Frauen gemacht sind. Ausnahmsweise ist es der Mann, der in Gefahr ist, und nicht die Frau, ausnahmsweise ist es die Frau, die handelt (soziopathisch, aber wir nehmen, was wir kriegen können), und ehrlich gesagt, ist das erfrischend, und das Ganze ist auch noch mit einer kleinen Mediensatire gewürzt. Gone Girl” ist der ultimative Anti-Date-Film, ein wahres Verbrechen aus dem Leben, meisterhaft und akribisch umgesetzt, mit Pikes Amy als Ikone des Anti-Opfers.

3. “Foxcatcher”

Foxcatcher” ist sowohl ein kleiner, intimer Dreiteiler als auch eine große, mythische Geschichte über Amerika und das dem Kapitalismus innewohnende Ungleichgewicht. Damit setzt Regisseur Bennett Miller, der bereits mit Capote” und Moneyball” zwei große Erfolge verbuchen konnte, einen neuen Höhepunkt. Der Film schildert die außergewöhnliche, wahre Geschichte der Schultz-Brüder (Mark Ruffalo und Channing Tatum), Olympiasieger im Ringen, die unter den Einfluss des Industriellen John Du Pont (Steve Carell) geraten, und ist eine sparsame, fast nüchterne Parabel, die nur deshalb ins Absurde kippt, weil sie eine völlig absurde und dennoch erschreckende Geschichte ist.

Und obwohl der Film über zwei Stunden auf der Leinwand dauert, gibt es, wie immer bei Miller, nichts Überflüssiges, keine fehlende Einstellung (DP Greig Fraser ringt dem Alltäglichen immer wieder Poesie ab) und keine Darbietung, die nicht minutiös abgestimmt ist. In jedem der Filme des Regisseurs stand eine überragende Leistung im Mittelpunkt, aber hier hat er gleich drei: Ruffalo ist so verlässlich großartig wie immer und immer noch in der Lage, zu überraschen; Tatum ist eine Offenbarung, selbst nach den Maßstäben, die er in den letzten Jahren angelegt hat; und Carell erreicht ein Herz der Finsternis, das ihm sicher nur wenige zugetraut hätten.

Es ist kaum ein Schock, dass dieser Film den Weg über Megan Ellison gehen musste, um gedreht zu werden: Er ist tieftraurig, fast einsam im Ton und brutal in der Art und Weise, wie er dem verkommenen Kern der 1 % den Spiegel vorhält, und der Gefühllosigkeit, mit der sie das Leben anderer behandeln können. Aber Gott sei Dank wurde er gedreht: Er mag vor zwanzig Jahren spielen, aber er ist ein wichtiger Film für Amerika im Jahr 2014 und darüber hinaus.

2. “Nightcrawler”

Auf seiner schwarz-komischen, satirischen Oberfläche ist “Nightcrawler” eine Anklage gegen die heutige Medienlandschaft, in der alles möglich ist, aber Autor/Regisseur Dan Gilroy weiß, dass dieser Ton schon einmal gespielt und durchgehalten wurde. Und so schlängelt sich unter seinem Film, der mit dem Instinkt eines Überlebenden und dem Optimismus eines New-Age-Enthusiasten daherkommt, das Porträt eines reibungslos funktionierenden Soziopathen.

Louis Bloom, der von Jake Gyllenhaal mit hagerem Gesicht und vollem Einsatz gespielt wird, ist Patrick Bateman, der mit Horatio-Alger-Geschichten aufgewachsen ist und sich kürzlich mit Selbsthilfebüchern über Geschäftsstrategien vollgestopft hat. Er will die Karriereleiter erklimmen, aber in einer weiteren fantastisch nuancierten Darstellung von Gyllenhaal, unterstützt durch Gilroys vielschichtiges Drehbuch, sehen wir Schatten von Blooms beschädigter Vergangenheit, einer Vergangenheit, in der er vielleicht missbraucht, allein und unerwünscht war.

Er versucht alles, um Geld zu verdienen, und das hat er auch getan, aber als sein Versuch, als freiberuflicher Videofilmer echte Ergebnisse zu erzielen, beginnt, ist das, was folgt, ein düsteres Porträt des Erreichens des amerikanischen Traums mit den albtraumhaftesten Mitteln. Gilroy und Gyllenhaal führen den Zuschauer in ein Los Angeles, das nicht von Sonnenschein, schönen Menschen und glänzenden Gebäuden geprägt ist, sondern von korrodierten Ambitionen und verzweifelten Maßnahmen, die jegliche Moral und Ethik zunichte gemacht haben. Letztlich wird “Nightcrawler” zu einem der besten Filme des Jahres, weil er einer der kompromisslosesten ist.

1. “Under the Skin”

“Es gibt mehr Dinge im Himmel und auf Erden”, sagt Hamlet zu Horatio, “als du dir in deiner Philosophie erträumst.” Und Jonathan Glazers betörender “Under the Skin” ist vielleicht der beste Ausdruck eines Films, der aus dem Blickwinkel eines dieser Dinge erzählt wird. Glazers unheimliches Meisterwerk fühlt sich an, als sei es von einer überirdischen Intelligenz beseelt, von einer dunklen, stillen Wachsamkeit, die vielleicht Stanley Kubricks “2001: Odyssee im Weltraum” am ähnlichsten ist – eine Perspektive, die sich einfach nicht menschlich anfühlt.

Wenn wir uns in Filmen mit außerirdischen Lebensformen beschäftigen, schreiben wir ihnen oft eine konventionelle menschliche Moral zu – sie sind gut oder böse, rachsüchtig oder gnädig, böse oder rein. Aber Scarlett Johansson gibt eine makellose Vorstellung von einer Kreatur, die einfach außerhalb dieses Rahmens existiert, vollkommen ambivalent, unmotiviert durch Vorstellungen von Gerechtigkeit oder Rache, nur durch Möglichkeiten. Zumindest am Anfang, denn im Laufe des Films wird die schreckliche Perfektion ihres außerirdischen Designs (sie ist wie ein ausgeklügelter Köder, der vielleicht von dem Mann auf dem Motorrad ausgeworfen wurde) allmählich durch die entfernten Anzeichen einer Art von Menschlichkeit kompromittiert: Mitleid, Appetit, Eitelkeit, Dankbarkeit, Angst.

Und all dies ist eingebettet in die bemerkenswerte Filmmusik – fötale Herzschläge, schwindelerregende Streicher und amniotische Pulsationen – und einige der eindrucksvollsten Bilder, die der Meisterstylist Glazer je geschaffen hat, die umso mehr verblüffen, als sie inmitten der eintönigen Umgebung der Highstreets von Glasgow und der grauen schottischen Landschaft spielen. Es ist dieses Hin und Her zwischen dem Jenseitigen und dem Banalen, das “Under the Skin” zu einem so einzigartigen Film macht (ein Mann bringt einen Außerirdischen mit nach Hause, aber er prüft trotzdem die Eier, bevor er sie kauft) und zu einem Beispiel für zielgerichtetes Regievertrauen und Absicht, auch wenn er nur lose auf Michael Fabers Roman basiert.

Der Film, der mit großem Abstand auf dem ersten Platz unseres Jahresrankings steht, ist mysteriös, hypnotisch und absolut furchteinflößend (gibt es eine unheimlichere Szene als die, in der Johansson die Leiche des Schwimmers an dem schreienden Baby am Strand vorbeischleift?) und verdient seinen Titel nicht so sehr wegen der thematischen Antworten, die er gibt (er bleibt bis zum Schluss ein perfekt verschlossenes Rätsel), sondern weil er für seine Bewunderer “unter der Haut” lebt, jetzt und wahrscheinlich für immer.

Ehrenvolle Erwähnungen: Wir wollten uns auf eine harte Top Twenty beschränken, was bedeutete, dass viele andere großartige Filme, die nicht die gleiche breite oder leidenschaftliche Unterstützung erfahren haben, es nicht ganz in die Liste geschafft haben, aber sie sind es trotzdem wert, gesehen zu werden. Knapp außerhalb der Top Ten landeten Matt Reeves‘ intelligenter, wunderschön gestalteter Blockbuster “Dawn Of The Planet Of The Apes” und der australische Durchbruchshorror “The Babadook” (der auf vier separaten Listen platziert war, aber so weit unten, dass er letztlich nicht in die Top 20 kam).

Darüber hinaus gab es auch Unterstützung für Denis Villeneuves nervenaufreibenden “Enemy“, Richard Ayoades ebenfalls von Doppelgängern handelnden “The Double” und den brutalen “Two Days One Night” der Dardennes, während “The Raid 2” und “John Wick” in einer individuellen Liste von zwei Playlist-Mitwirkenden in der Nähe der Top 25 platziert wurden.

Darüber hinaus nannten die Playlist-Mitwirkenden auch Lukas Moodyssons großartiges Coming-of-Age-Punk-Memoir “We Are The Best! “, Nuri Bilge Ceylans epischer Palme D’Or-Gewinner “Winter Sleep”, Lenny Abrahamsons überraschend mitreißende Komödie “Frank“, die animierte Spitzenleistung “The Lego Movie”, James Grays elegantes Drama “The Immigrant”, die Doppelvorstellung von “Him” und “Her” sowie “The Disappearance Of Eleanor Rigby”, Ruben Ostlunds rabenschwarze Komödie “Force Majeure”, Eliza Hittmans unauffällige Coming-of-Age-Geschichte “It Felt Like Love”, Tsai Ming-Liangs langsames Kinowunder “Stray Dogs”, die Sommerkomödie “Neighbors” und die Indie-Rom-Com “Obvious Child”. “

Weiter unten auf den einzelnen Listen finden sich auch zwei Dokumentarfilme, darunter der viel gelobte “Citizenfour“, der aufwühlende “The Overnighters” und “Elaine Stritch: Shoot Me”, die Hommage an die verstorbene Theaterlegende. Der Blockbuster “Edge of Tomorrow” war ebenfalls vertreten, ebenso wie das James Brown-Biopic “Get On Up”, der iranische Vampirfilm “A Girl Walks Home Alone At Night”, die bitterböse Rassenkomödie “Dear White People”, der Brendan Gleeson-Film “Calvary“, der 80er-Jahre-Actioner “The Guest“, die Umwelt-Doku “Virunga”, Errol Morris’ “The Unknown Known” und der schlichte Kriminalfilm “Cold In July”.