10 Vegas Filme die Sie sehen müssen!

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Las Vegas tritt seit mindestens Anfang der 1940er Jahre in Filmen auf, und das Bild der Stadt auf dem Bildschirm hat sich mit der Transformation und Erweiterung der Stadt selbst weiterentwickelt. Bei der Auswahl der 20 wichtigsten Las Vegas-Filme habe ich mir Filme angesehen, die hauptsächlich in und/oder über Las Vegas angesiedelt sind, nicht nur Filme mit einer denkwürdigen Vegas-Sequenz (die Swingers oder die aktuelle Gloria Bell auslässt). Mit dem Las Vegas Film Festival (28. April – 5. Mai), hier sind die ikonischen Vegas, die, ob groß, gut oder schlecht, helfen, ein lebendiges Bild unserer Stadt auf der großen Leinwand zu zeichnen.

Las Vegas Filme

Las Vegas Filme, die sie sich ansehen sollten!

Auf IMDB gibt es eine Las-Vegas-Film-Liste mit allen Filmen, die ganz oder teilweise in Las Vegas gedreht wurden.

Helldorado (1946)

Wie die meisten Filme mit dem singenden Cowboy Roy Rogers ist Heldorado schamlos kitschig, mit einer Handlung, die in erster Linie darauf ausgerichtet ist, Rogers beim Singen und Reiten zu präsentieren, zu der wie immer sein zuverlässiges Pferd Trigger (der die zweite Abrechnung erhält) beiträgt. Aber es ist auch ein faszinierendes Dokument eines Las Vegas, das noch zum Old West gehörte. Während der jährlichen Helldorado Days spielt der Film Rogers als Nevada Ranger auf den Spuren einiger Geldwäscher, mit Rogers‘ häufigem Co-Star Dale Evans als frecher Socialite, die sich für einen Amateurdetektiv hält. Das Vegas des Films hat auffällige Casinos an der Grenze zur offenen Landschaft, in einer Stadt, in der viele der Straßen noch unbefestigt sind. Die Helldorado-Parade (und die damit verbundene Bartwuchskonkurrenz) bekommt so viel Zeit wie der hinterhältige Plan der Schurken, und dieses Gleichgewicht scheint in Ordnung zu sein.

Meet me in Las Vegas (1956)

Cyd Charisse spielt in diesem charmanten MGM-Musical, das viel Vegas-Atmosphäre (darunter Auftritte von Lena Horne und Frankie Laine und eine ungelobte Frank Sinatra-Kamee) mit altmodischen Hollywood-Song-Dance-Nummern verbindet, als souveräne Ballerina am Strand. Charisse’s Marie Corvier bildet ein ungewöhnliches Paar mit Dan Dailey’s aw-shucks Rancher Chuck Rodwell, der an den Tischen unheimliches Glück erlebt, wenn er Maries Hand hält. Die verschlafene Handlung bietet viel Zeit für musikalische Vitrinen, darunter einige atemberaubende Fußarbeiten von Charisse. Neben dem Lernen, Chucks Charme zu schätzen, lernt die etwas versnobte Marie auch, die Auftritte vor den Massen von Vegas zu schätzen, und der Film verkauft effektiv sowohl Vegas-Glamour (mit diesen wunderschönen Outfits) als auch die Arbeitsmoral des Vegas-Showbiz.

Ocean’s Eleven (1960)

Die Wahrheit ist, dass das 2001er Remake dieses Rat Pack Raubfilms viel besser ist, aber kein anderer Film bietet die gleiche Destillation der Zeit, als Frank Sinatra, Dean Martin und Sammy Davis Jr. Las Vegas dominierten. Die erste Hälfte des Films ist extrem langsam, und selbst wenn die Gruppe der ehemaligen Militärfreunde ihren Plan, fünf Casinos in Vegas zu bestehlen, in Angriff nimmt, ist die Geschichte nicht besonders spannend oder lebendig. Aber die Hangout-Vibe ist ausgezeichnet, und wenn man diese Jungs (darunter auch die Rat Pack-Mitglieder Peter Lawford und Joey Bishop) in ihrem Element sieht, voller Stil und Schwung (und, das muss man sagen, mehr als ein wenig Chauvinismus), wird deutlich, warum sie den Strip regiert haben. Außerdem gleicht das exquisite Downbeat-Ende fast das ganze vorhergehende Getöse aus.

Viva Las Vegas (1964)

Der Titelsong dieses Elvis Presley-Musicals hat dank Dutzenden von Coverversionen und einer Übernahme als offizieller Song der Stadt eine nachhaltigere Wirkung als der Film, aus dem es stammt. Aber Viva Las Vegas bleibt ein entscheidender Moment für Vegas auf dem Bildschirm und etabliert so viele der hartnäckigen, unauslöschlichen Elemente des Stadtbildes, von Elvis über Showgirls, Quickie-Hochzeiten bis hin zu Helikoptertouren über den Hoover Dam. Der Film gehört Ann-Margret als Flamingo-Poolmanagerin Rusty Martin ebenso wie Presley als Rennwagenfahrer Lucky Jackson, und ihr realer Wettbewerb um die Bildschirmzeit holt das Beste aus beiden Künstlern heraus. Presley ist kein großer Schauspieler, und die Geschichte ist ziemlich schwach, aber es gibt ansteckenden Spaß an den musikalischen Bühnenbildern und eine schwindelerregende Begeisterung für alles, was Vegas noch für die Stadt Wunder tut.

The Only Game in Town (1970)

Ein kritischer und kommerzieller Misserfolg zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung, der letzte Film des legendären Regisseurs George Stevens (Shane, Giant) ist tatsächlich gut gealtert, und seine seltsame Paarung von Elizabeth Taylor und Warren Beatty wirkt zu ihren Gunsten für eine Geschichte unausgewogener (aber unbestreitbarer) Romantik. Der von Frank D. Gilroy aus seinem Bühnenstück adaptierte Film spielt hauptsächlich in der kleinen Wohnung der Las Vegas-Showgirl Fran (Taylor) und wurde auf Drängen von Taylor hauptsächlich in Paris gedreht. Aber wann immer Fran und der Pianist (und Glücksspieler) Joe (Beatty) die Wohnung verlassen, gehen sie in echte Vegas-Locations (einschließlich des alten Vegas Village Generalstores) und zeigen die Alltagsseite der Strip-Entertainer der Arbeiterklasse. Game ist eine Art sanftere, melancholische Version des theatralischen Leaving Las Vegas und fängt das Gefühl des Vegas Grind neben einer fesselnden (wenn auch manchmal gesteigerten) Romanze ein.

Neuere Filme die in Las Vegas spielen gibt es nochmal auf Vegas-Trip.de.

Diamonds are for ever (1971)

Diamonds Are Forever wird oft als einer der schlimmsten James-Bond-Filme bezeichnet und ist nicht gerade ein großartiges Schaufenster für den legendären Geheimagenten. Es ist voll von flachem, belaboriertem Humor, die Handlung ist verwirrend und träge, und Star Sean Connery (der nach einem Film wieder in die Rolle zurückkehrt) scheint von dem ganzen Projekt gelangweilt. Aber Diamonds ist ein großartiges Schaufenster für Las Vegas, das der Schauplatz für den größten Teil des Films ist und in all seinem bunten, neongetränkten Glanz der 1970er Jahre erstrahlt. Die acht vorgestellten Vegas Hotels sind so sehr die Stars des Films wie Connery, vor allem das International (jetzt das Westgate), das in das fiktive Whyte House verwandelt wurde, das von Howard Hughes‘ Campy Analogon des Films betrieben wird. Mit seinen Verfolgungsjagden in der Innenstadt und Gastauftritten von Zirkuszirkusartisten bewies Diamonds, dass Vegas der ideale Rahmen für einen großen Action-Abenteuer-Blockbuster sein könnte.

One from the Heart(1982)

Francis Ford Coppolas aufwändiges Las Vegas-Musical, das komplett auf der Bühne seiner amerikanischen Zoetrope Studios gedreht wurde, ist einer der berüchtigsten Kassenschlager aller Zeiten, aber es ist die Art von Boondoggle, die für Vegas perfekt ist: ein ehrgeiziges, egozentriertes Stück künstlerischen Kitschs. Und während Coppola nicht ein einziges Bild vor Ort gedreht hat, ist seine Version der Stadt möglicherweise das Vegas – das beste, was Vegas sein kann, mit den bewusst künstlichen Casinofassaden, die direkt neben den ebenso künstlichen Sets der Lebens- und Arbeitsräume der Charaktere platziert sind. Coppola nutzt und erhöht echte Wahrzeichen von Vegas, um eine halluzinatorische Welt für seine fast abstrakte Liebesgeschichte über ein Reisebüro (Teri Garr) und einen Mechaniker (Frederic Forrest) zu schaffen, die sich im Laufe von 48 Stunden trennen und andere Liebende erkunden, nur um dann unaufhaltsam zu einander zurückgezogen zu werden.

Honeymoon in Vegas (1992)

Jeder erinnert sich an die sprungtauglichen Fallschirmspringer, die als die Flying Elvises bekannt sind, von dieser albernen Nicolas Cage/Sarah Jessica Parker Rom-Com, aber ein Großteil der Geschichte umfasst die Dummheit von Vegas, von der aufwendig ausgestatteten Ali Baba Suite bei Bally’s, wo die New Yorker Jack (Cage) und Betsy (Parker) in Erwartung ihrer Hochzeit bleiben, über den schwachen VIP-Gastgeber, der sich um die Launen des zwielichtigen Geschäftsmannes Tommy Korman (James Caan) kümmert, bis hin zur Parade von Elvis-Imitatoren (darunter ein sehr junger Bruno Mars). Die Geschichte über Tommy, der Betsy zwingt, ein Wochenende mit ihm zu verbringen, um Jacks Spielschulden zu begleichen, ist ein wenig eklig, aber der Autor-Regisseur Andrew Bergman hält den Ton leicht, selbst wenn Cage eine seiner charakteristischen, verwirrten Hetzereien liefert.

Leprechaun 3 (1995)

Es gibt viele Low-Budget-Horrorfilme in Las Vegas, aber nur einer von ihnen spielt Warwick Davis als mörderischen, reimenden Kobold. Der dritte Film in der überraschend lang laufenden Leprechaun-Serie findet den bösen Kobold in Vegas, wo er im Lucky Shamrock Casino landet und Menschen verfolgt, die Münzen aus seinem Goldtopf genommen haben. Die Handlung und die Charaktere sind natürlich völlig lächerlich, aber es gibt einige lustige Vegas-bezogene Dinge (irgendwann verwandelt der Kobold einen armen Kerl in eine menschliche Spielautomatik), und die Stadt entpuppt sich als perfekter Schauplatz für die verrückte Kreatur, die genauso viel Freude daran hat, Menschen zu betrügen und zu täuschen, wie er es tut, schreckliche und/oder ironische Gewaltakte auszuführen.

Mehr über den Film Leprechaun 3 gibt es auch auf IMDB.

Showgirls (1995)

Ist Showgirls einer der schlechtesten Filme, die je gemacht wurden? Ist es so schlimm, dass es gut ist, oder ist es eigentlich heimlich brillant? Paul Verhoevens Stripper-Saga ist all diese Dinge und mehr, je nachdem, wen man fragt, aber unabhängig von seiner Perspektive ist der Film nie nicht unterhaltsam. Joe Eszterhas‘ Drehbuch ist voll von zitiert lächerlichen Dialogen, und die Aufführungen sind pervers gewidmet, insbesondere Elizabeth Berkley in der Rolle, die ihre Karriere sowohl definierte als auch im Wesentlichen beendete. Berkley’s Nomi Malone ist eine rücksichtslose soziale Kletterin, die ihre Sexualität nutzt, um das zu bekommen, was sie will, sowohl im Cheetahs Gentlemen’s Club als auch in der üppigen topless Show Goddess des Stardust. Showgirls präsentiert Las Vegas als korrupte Jauchegrube, aber auch als einen Ort, an dem Menschen mit echten künstlerischen Ambitionen kommen, um es groß herauszubringen. Auf seine seltsame Weise ist es eine Hommage an die eigenen rücksichtslosen Ambitionen der Stadt.

Leaving Las Vegas (1995)

Nicolas Cages Oscar-gekrönte Darbietung als selbstmordgefährdeter Alkoholiker Ben Sanderson ist so breit angelegt, dass sie häufig ins Lager schleudert, aber sie wird durch Elisabeth Shue als Sera, die einsame Prostituierte, mit der Ben eine unmittelbare Verbindung eingeht, mit bemerkenswerter Wirksamkeit ausgeglichen. Las Vegas ist eine Schlüsselkomponente in Bens Plan, sich zu Tode zu trinken, und die Stadt selbst wird als eine etwas giftige Umgebung dargestellt. Aber es ist auch ein Ort, an den Menschen wie Ben und Sera kommen, um zu entkommen, auch wenn ihre Dämonen ihnen folgen, wohin sie auch gehen. In Anlehnung an John O’Briens halbautobiografischen Roman fängt Autor und Regisseur Mike Figgis das selbstzerstörerische Melodrama eines Menschen ein, der entschlossen ist, sein Leben zu beenden, ganz gleich, wen er auf dem Weg dorthin verletzt.

Der Film ist so überreizt und unbeholfen wie Ben selbst, und ebenso von der Tragödie aufgezehrt.

Casino (1995)

Während es oft von der früheren Zusammenarbeit des Regisseurs Martin Scorsese mit dem Krimiautor Nicholas Pileggi, Goodfellas der 1990er Jahre, überschattet wird, ist Casino in jeder Hinsicht das meisterhafte Krimiepos seines Vorgängers, eine weitere komplexe Untersuchung von Loyalität und Verrat unter Gangstern, in diesem Fall der kriminellen Organisation, die in den 1970er und frühen 80er Jahren inoffiziell mehrere Casinos in Las Vegas betrieb.

Robert De Niro gibt möglicherweise seinen letzten großen Auftritt als Lefty Rosenthal-Ersatz Sam „Ace“ Rothstein, und Joe Pesci wird als Rothsteins bester Freund und schlimmster Feind Nicky Santoro aus den Angeln gehoben. Obwohl der Film fiktionalisiert ist, ist er dennoch ein faszinierend detaillierter Einblick in die jahrelange Kontrolle der Mafia über Vegas und in die schwierige, manchmal gewalttätige Art und Weise, wie sich die Stadt und die Industrie entwickelt haben, angeführt von diesen kühnen Visionären, die zufällig auch bösartige Kriminelle waren.

Der Gewinner (1996)

Der Kultfilmemacher Alex Cox (Repo Man, Sid und Nancy) hat seine Adaption von Wendy Riss‘ Stück A Darker Purpose abgelehnt, aber der Film bewahrt viel von seiner Sensibilität für den Off-Killer, und er funktioniert als eine Art Vegas-Rückseite von Repo Man’s quasi mystischem LA. Vincent D’Onofrio spielt einen fast jenseitigen Spieler, der scheinbar unfähig ist, zu verlieren, und der deshalb von Gangstern, Opportunisten und seinem eigenen schmierigen Bruder ins Visier genommen wird.

Die Handlung macht nicht viel Sinn, aber Frank Whaley, Rebecca De Mornay und Billy Bob Thornton geben alle unterhaltsame Vorstellungen als die seltsamen Charaktere, die versuchen, den Protagonisten auszunutzen. Cox nutzt sowohl die Wahrzeichen von Vegas (die Eröffnung spielt im Pioneer Saloon, und es gibt eine Sexszene auf einem Klavier im Liberace-Museum) als auch die boomenden, sich ständig im Bau befindlichen Vorstädte von Vegas jener Zeit, hinter denen sich natürlich Fäulnis und Verrat direkt darunter verbergen.

Fear and Loathing in Las Vegas (1998)

Hunter S. Thompsons Las Vegas ist kein angenehmer Ort, und Terry Gilliams Adaption von Thompsons bahnbrechendem Roman fängt den kaleidoskopischen Alptraum ein, den der Thompson-Ersatz Raoul Duke (Johnny Depp, in seiner vielleicht endgültigen Rolle) und sein Anwalt/Komplize Dr. Gonzo (Benicio del Toro) erleben, während sie durch die grellen Schrecken navigieren, die sie im Vegas von 1971 wahrnehmen.

Die drogengetriebene Reise der Charaktere erzeugt einen Film, der sich selbst wie ein Drogentrip anfühlt, was bedeutet, dass er anstrengend und repetitiv sein kann, aber auch unerwartete Enthüllungen liefern kann. Vegas als Stellvertreter für Amerikas schlimmste Exzesse zu benutzen, mag zu einem Klischee geworden sein, aber Fear and Loathing umfasst die ihm innewohnenden Widersprüche und erlaubt seinen selbstzerstörerischen Charakteren, die Verderbtheit auszunutzen und gleichzeitig vor Entsetzen davor zurückzuschrecken.

Ocean’s Eleven (2001), Twelve & Thirteen (2007)

Die Buchstützen von Steven Soderberghs Ocean’s Trilogie lassen Las Vegas fast unfassbar cool aussehen, eine High-End-Spielwiese für die Crew der gewandten Diebe, angeführt von George Clooneys Danny Ocean. Die Handlung ist verworren, aber die Figuren sind tadellos ausgearbeitet, und der visuelle Stil ist umwerfend. Soderberghs Ocean’s Eleven ist ein lebendiger, lustiger und äußerst unterhaltsamer Raubfilm, der vor großartigen Leistungen nur so strotzt und in dessen Mittelpunkt die Chemie der Kumpelkomödie zwischen Clooney und Brad Pitt steht. Ocean’s Thirteen ist noch mehr ein Liebesbrief an Vegas, der zu einer Zeit gedreht wurde, als die Bauarbeiten am Strip boomten und alle zwei Monate neue Mega-Resorts eröffneten. Beide Filme fangen die Energie, den Glamour und den Luxus einer Vegas-Ära ein, die kurz danach zusammenbrach.

The Hangover (2009)

Todd Phillips‘ schlüpfrige Komödie „The Hangover“ hat das hedonistische Bild des modernen Las Vegas definiert, des Ortes, an dem „was hier passiert, hier bleibt“, und die Menschen frei sind, ihren dunkelsten Sehnsüchten nachzugehen. Die Geschichte von drei Freunden, die versuchen, ihren erschütternden Junggesellenabschiedabend zusammenzustellen (um ihren vermissten vierten Freund ausfindig zu machen, der bald heiraten wird), ist immer noch durchweg lustig, mit zu Recht Starauftritte von Bradley Cooper, Ed Helms und Zach Galifianakis (und einer ultra-luxuriösen Suite im Caesars Palace).

Der Film porträtiert Vegas als einen gefährlichen Spielplatz für Erwachsene, auf dem alles möglich ist, was gleichermaßen verlockend und erschreckend ist. Es ist ein Ort, an dem die Charaktere ihr wahres Selbst entdecken und tatsächlich ein wenig erwachsen werden, wenn auch nicht so sehr, dass sie die gleichen Fehler in den beiden (meist schrecklichen) Fortsetzungen nicht wiederholen können.

Elektrische Kinder (2012)

Die in Las Vegas geborene Rebecca Thomas macht die Stadt in ihrem Debütfilm zu einem ätherischen gelobten Land, einer traumhaften Fabel über einen behüteten Teenager aus Utah (Julia Garner), der aus einem religiösen Komplex wegrennt, um den Mann aufzuspüren, von dem sie glaubt, dass er sie mittels einer heiligen Kassette geschwängert hat. Garners Rachel ist eine Kombination aus naiv und entschlossen, völlig unwissend darüber, wie Babys gezeugt werden, aber auch bereit, alles zu riskieren, um den Vater ihres Kindes zu finden. Garner ist fantastisch als die offene, zärtliche Rachel, die jeden neuen Ort, den sie besucht, mit großen Augen betrachtet. Thomas findet dieses Wunder abseits des Strip, an Orten wie Downtown’s Artifice und Alamo und im vorstädtischen Desert Breeze Skate Park. Der Film baut eine süße Teenager-Romanze neben einem Gefühl des Mystischen und Unerklärlichen auf.

Verhängnisvolle Erkenntnisse (2013)

Las Vegan Neil Breen ist zu einem festen Bestandteil des Bösefilmzirkels geworden, was zum großen Teil diesem Anti-Meisterwerk zu verdanken ist, einem verblüffend narzisstischen Stück Außenseiterkunst, in dem Breen als messianischer Hacker/Psychiater auftritt, der für Frauen unwiderstehlich ist und als einziger Mensch die Korruption von Regierungen und Unternehmen der Welt bloßstellen kann. Breen ist ein schrecklicher Filmemacher, aber auch eine faszinierende Figur, eine Art selbstgemachter, nur in Las Vegas geborener Charakter, dessen unverdientes Vertrauen in sich selbst an die Stelle von Talent oder Ausbildung tritt. Breen dreht alle seine selbstfinanzierten Filme in unscheinbaren Bürogebäuden und Innenhöfen und in der offenen Wüste, obwohl seine Vorliebe für Stock-Filmmaterial gelegentlich auch Bilder vom Strip umfasst. Fateful Findings ist die reinste Darstellung seines verblüffenden, abrasiven Stils und eine Erinnerung daran, dass Vegas immer noch eine der ersten Adressen für selbstgefällige Verrückte ist.

Dealer (2017)

Dealer ist ein Omnibus-Film, der von fünf Regisseuren und/oder Regieteams (Lundon Boyd, Jeremy Cloe, Mike und Jerry Thompson, Ryan und Cody LeBeouf, Adam Zielinski) gedreht wurde, die durch Boyds Figur Kelly, einen glücklosen Casino-Kartengeber, der gezwungen wird, Besorgungen für einen mysteriösen Verbrecherboss zu machen, zusammengebunden werden. Jeder Abschnitt hat seinen eigenen Ton, von surreal über süß bis hin zu spannend, und jeder beleuchtet eine andere Seite von Vegas, von der kaleidoskopartigen Reise der LeBeoufs durch die Hallen des Artisan über Cloes vorstädtische Hangout-Komödie bis hin zu den Kapriolen der Thompsons auf den Gewässern des Lake Mead. Es ist ein Schaufenster für einheimische Talente, das beweist, dass seine Schöpfer alle für Größeres bereit sind.